«Bipolar». Composición de fotografías digitales. David Lopera Gómez.
Pública Muy buenas,
Os comparto obra acabada y adjunto el pdf abajo del todo por si queréis ver el proceso y las 3 obras que analicé.
Ayer no pude entregarlo Marta porque murió mi pc, he tenido que pedir prestado uno y lo he podido subir hoy. Espero no haya problema por eso.
A por el óleo! Abrazos!
Pública ¡Muy buenas artistas!
Gracias a la asignatura Proyecto I estoy pudiendo reflexionar sobre mi método de creación artística, si es que lo tengo. Es por ello que os voy a explicar, por si sirve de inspiración y reflexionar con vosotros qué os parece y cómo puedo mejorarlo.
Normalmente mi proceso creativo es este:
1º Pienso en una idea o me viene a la mente.
2º Busco imágenes que me inspiren, actualmente estoy usando Pinterest, con esto hago un moodboard con el nombre de la idea o del proyecto, para así, unificar ideas, buscar otras inspiraciones y conexiones, ver composiciones, esquemas cromáticos, etcétera, cualquier idea relacionada con el concepto que tengo en mente me vale. Pinterest también es muy útil para hacer diferentes carpetas donde guardo paletas de color que me gustan, ilustradores que descubro, estilos de tipografía, ilustraciones, portadas de libros… así, cuando quiero hacer una obra y no se me ocurre nada, voy ahí y me inspiro de mis referentes. Aquí podéis ver mi perfil de Pinterest pro si os sirve: https://www.pinterest.es/LoperaKun/ Os paso un pantallazo de mi Pinterest también, en concreto de un proyecto que estoy haciendo actualmente sobre superhéroes, en concreto sobre Batman y Catwoman. La imagen que comparto es de un pantallazo donde podéis ver todas las imágenes de golpe, esto me sirve para ver gamas de colores predominantes, y el estilo que podría utilizar. También lo utilizo para en un sólo vistazo ver de golpe todas las imágenes recopiladas y elegir las que más me gusten para decidir la composición final.
3º. Tras esto suelo hacer una composición propia a modo de collage en mi Ipad con el programa Procreate.
4º. Una vez tengo clara la composición, me lanzo a dibujar, ilustrar, o pintar la idea, según haya decidido o crea que quede mejor el resultado. Es cierto que en este punto, una vez estoy en la fase de ideas, suelo tener claro el medio que elijo para ejecutar el proyecto, muy rara vez es al final cuando decido cambiar cómo ejecutar la idea, pero, a veces me ha sucedido que, en base al boceto haya terminado creando una ilustración digital en lugar de materializarla de forma tradicional.
Otro método que he empleado a veces es con técnica húmeda. Creo manchas con charcos de agua y diferentes colores de acuarelas o anilinas, y en base al resultado, voy generando dibujos en función de las manchas resultantes. Así he creado, por ejemplo, un par de libros de artista. Una vez dibujo las imágenes, también me inspiro en ellas para añadir palabras o poesía. Por último, pliego la obra y la encuaderno de una u otra manera, en función de lo que «me pida» la propia obra. Por último, le añado un título, concluyendo así la obra de una manera inversa a lo normal, que podría ser, pensar en un concepto, título de la obra o idea, y luego crearla. Os comparto algunas imágenes de uno de ellos por ambas caras y su encuadernación.
Como veis, siempre documento mi proceso creativo a través de fotografía, recopilación de imágenes y textos. Además, mis redes sociales, sobre todo instagram, son el lugar perfecto para aunar imagen de la obra final, vídeos, el paso a paso de cómo he ido creando la obra, y el texto explicativo donde termino de describir los materiales usados y técnica. Os paso un enlace de una publicación de mi Instagram para que veáis cómo uso esta red social para documentar mis obras y procesos creativos. https://www.instagram.com/p/CiNyZYED3DO/
Espero que os sirva de inspiración, un saludo.
Pública Hola,
He cambiado colores, creo usaré estos de base. He optado por darle más viveza y brillo a la imagen, aclarando el fondo y cambiando bastantes de los colores para generar algo más de contraste e interés.
¿Os gusta más que la anterior?
PALETA ACTUAL
PALETA ANTERIOR
Saludos.
Pública Hola a todos,
Comparto el proceso creativo que he llevado a cabo para elaborar mis bocetos previos a la obra en acrílico.
Después de realizar muchas fotos para inspirarme, de buscar imágenes interesantes por internet e incluso de pensar en alguna idea que tenía en mente, finalmente decidí escoger como tema una escultura del murciano Salzillo. En concreto, siempre me ha fascinado la pieza del ángel del conjunto escultórico “la oración del huerto”, paso que sale cada año en procesión en la Semana Santa murciana.
Tras buscar mucho tiempo en internet, y teniendo en cuenta las dimensiones de mi lienzo, 70×60 cm, tenía claro que quería centrar las escena en el ángel, su ala izquierda y la mano señalando al cielo. Consiguiendo esta segunda fotografía del Museo Salzillo de Murcia.
Una vez decidida la foto de referencia, la importe en Procreate con mi IPad, generando una imagen de las mismas proporciones del lienzo para facilitar posteriormente dibujarla sobre el mismo. Siendo esta la imagen de referencia inicial ajustada proporcionalmente y tratada para que los brazos estuvieran colocados en la diagonal central del lienzo y posicionando el dedo índice en la vertical central del cuadro. Decidí esta posición pues queda espacio desde el dedo hasta el borde, y junto a la mirada del ángel se generaba movimiento vertical, uniéndose la línea del dedo y la de la mirada en el exterior del lienzo. También quise que el ala derecha no quedara completamente dentro del cuadro, generando así sensación de movimiento. Esta fue la imagen generada inicialmente de referencia:
Tras esto, me interesé en aplicar diferentes filtros para llevar el color a tonos verdosos, violetas, naranjas, amarillos y verdosos, generando así mucho contraste y provocando que las manchas de color se agruparan en planos, facilitando así el trabajo para el resultado buscado. Así decidí utilizar esta imagen generada en Procreate:
El siguiente paso fue darle más dinamismo a la composición, para ello, desde el punto de unión de la línea imaginaria que sigue la mirada del ángel y el dedo índice, tracé líneas radiales y concéntricas en ese punto. Estas líneas simularían los rayos de luz que iluminarán la escena. Estos rayos tomarían el color dorado y morado de la túnica que viste la figura de Jesús en esa escena, simbolizando su presencia mediante una luz proveniente del cielo que iluminaría la escena. Así, ya tenía la composición y paleta de colores del cuadro. Junto a estas líneas, tracé todas las de la figura en color verde, para que no se confundieran con los colores negros de la figura, separando por planos y zonas los colores para tener esa referencia de cara a aplicar color en el lienzo como se ve en la siguiente imagen:
Este dibujo realizado en líneas verdes lo realicé en una capa separada, para más adelante, colorearla de negro y utilizarla para calcar el dibujo en el lienzo utilizando un proyector (quizás use ese método) o utilizando papel calco. Esta es la imagen que utilizaré para calcar o dibujar en el lienzo:
En este punto decidí generar una paleta de color de 12 tonos que emplearía para rellenar cada plano dibujado, predominando los tonos marrones que, combinados con el negro y colores complementarios como violeta y amarillo, o rojo y verde, generarían una paleta de colores vibrante a la par que armoniosa en su conjunto.
Por último fui rellenando de color con esta paleta los planos del dibujo, llegando tras varias horas a este resultado final, que imprimiré para tener como referencia para pintar el lienzo. Decir aquí que reinterpreté los colores y cambié algunos tonos, de manera que los colores resultaran más interesantes en su conjunto.
En definitiva, quedé bastante contento con estos bocetos y el resultado final, que bien podría considerarse ya una ilustración digital y una obra acabada.
Otras opciones serían jugar con otras tonalidades a partir de esta ilustración final pero, salvo que Marta considere que no son interesantes… creo seguiré adelante con esta paleta.
¡Seguimos! Espero opiniones. 🙂
Pública Primera parte: Montaje y entelado de un bastidor.
El primer reto de esta actividad he de decir que fue conseguir todos los materiales necesarios, pues no disponía de ninguno de ellos y fue una inversión bastante importante. Decidí buscar los mejores precios haciendo pedidos en tres tiendas diferentes. Lo bueno, sacando números lo amortizaré a partir del cuarto lienzo que monte… y lo pienso hacer.
Compilación de materiales utilizados.
Tras desembalar todo comencé la práctica limpiando el pliego de tela de algodón con jabón lagarto, un cepillo, agua y un cubo a mano. Decidí hacer todo el proceso en un patio, puesto que allí había manguera y me era muy cómodo hacer todo el proceso de lavado y secado, que explico paso a paso con fotografías a continuación.
Cubo, jabón lagarto y cepillo empleados.
Pliego mojado antes de aplicarle jabón.
Pliego mojado y extendido en el suelo donde le di por ambas caras con jabón.
Pliego extendido en el suelo tras limpiar por ambas caras con jabón, cepillo y agua. Por cierto, del roce del agua y el cepillo me hice una herida en los nudillos… cosas de artista.
Pliego secándose en tendedero. El día acompañaba.
Tras secar el lienzo tomé medidas para cortar el pliego en cuatro partes, con lo que me daría para realizar hasta cuatro lienzos, aunque para esta práctica solo usé dos.
Cuatro piezas resultantes tras medir y cortar la tela.
Lo más pesado de todo, planchar y planchar hasta conseguir quitar las arrugas. Lo hice con la tela totalmente seca, por no haber podido hacerlo antes de secarse del todo ese día. Supongo que tuve que planchar más veces a causa de esto.
Una vez tuve los dos pliegos de tela bien planchados, aún tenían algunas arrugas, pero esperé a montar el lienzo antes de ver si necesitada más planchado posterior. ¡Llegó el momento de montar los bastidores!
Con ayuda del martillo de goma encajo todos los listones.
En cuestión de cinco minutos, están perfectamente montados y bien acoplados.
Por fin llegó uno de los momentos que más me llamaban la atención, montar el lienzo. ¡Sigo con el proceso!
Antes de nada, repaso la tela y elimino los hilos sobrantes en los laterales de cada pieza, evitando así debilidades futuras del lienzo.
¡Herramientas listas para la acción!
Primeras grapas para tensar el lienzo en listones opuestos. Decir que es bastante molesto el ruido de la grapadora, pues tuve que ponerla a máxima potencia para que las grapas quedaran bien fuertes. A futuro haré este paso con tapones para los oídos, sobre todo si como en esta ocasión grapo dos lienzos en serie.
Sigo grapando hasta que todo el lienzo está bien tenso y fijo, ayudándome de la grapadora y el tensador. Algo difícil tensar la tela y grapar a la vez, pero con práctica fui solucionándolo.
No tensé al máximo de mis fuerzas por no dañar la tela, pues la imprimación tensará aún más después.
Tela recortada y lista para grapar las esquinas.
Doblo y grapo las esquinas para reforzarlas
Aquí los dos lienzos montados y listos para la segunda parte, aparejo e imprimaciones. Decir que aún montados volví a planchar los lienzos por ambas caras un par de veces… ¡había arrugas que se resistían!
Pública Introducción.
Esta actividad tiene como objetivo analizar paletas de color de diferentes artistas para llevarlas a la práctica, pudiendo así afrontar las futuras obras con un estudio cromático consciente.
- Primera parte: Búsqueda y análisis de referentes pictóricos. Estudio de color.
Tras la lectura del documento “Procedimientos, técnicas pictóricas y usos del color. Evolución y desarrollo”, seleccioné tres obras pictóricas, de las que analizo a continuación sus procedimientos, técnicas pictóricas y usos del color.
Merisi da Caravaggio, M. [Michelangelo] (1599-1600). La vocación de san Mateo. Pintura [Óleo sobre lienzo]. San Luigi dei Francesi, Roma, Italia. https://historia-arte.com/obras/vocacion-de-san-mateo
Esta obra de marcado estilo tenebrista de Caravaggio representa de forma magistral la utilización del claroscuro, en donde el artista enfatiza las figuras con contraste acentuado generando volúmenes mediante luces y sombras muy marcadas.
La escena, que se desarrolla dentro de una estancia, está iluminada de derecha a izquierda por la luz que entra a través de una ventana. Esta luz es representada con tonalidades amarillas, generando dinamismo y movimiento en la escena con una marcada línea diagonal que separa la parte de la luz de la oscuridad, representada por el predominante color negro.
En cuanto a la paleta de colores decir que es bastante reducida, puesto que predominan los tonos amarillos, ocres, el rojo y el negro, generando así un mayor contraste y facilitando generar el ambiente tenebroso buscado por el artista. También hay matices de grises, azules y rojos, pero muy puntualmente en la ropa de alguno de los personajes de la escena, que también se acompaña de blancos para fortalecer el brillo en ciertos lugares.
En cuanto al dibujo, decir que es muy marcado en las zonas de luz, mientras que, en las figuras de segundo plano, así como las partes que están en zonas oscuras, se difumina la línea mediante una magistral utilización del sfumato y manchas de color.
Se aprecia en la obra analogía cromática ya que se emplean amarillos, rojos y naranjas como tonos predominantes, generando esto una temperatura cálida, pese a lo tenebroso y contrastado de la obra.
Rubens, P. P. [Pedro Pablo] (1622-1625). Retrato de Susana Lunden. Pintura [Óleo sobre panel]. National Gallery, Londres, Reino Unido. https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/peter-paul-rubens-portrait-of-susanna-lunden-le-chapeau-de-paille
En esta obra de Rubens, artista destacado de comienzos del Barroco, muestra la predilección de la época por supeditar el color al dibujo, muestra de ello son las pinceladas y manchas de color que pueden observarse en la ropa e incluso en las nubes del paisaje de fondo.
En cuanto a las tonalidades empleadas decir que predominan los tonos grises, en concreto mezclados con azul en el fondo, y los existentes en las diferentes partes de la ropa y sombrero de la protagonista. Estas tonalidades contrastan con el azul claro del fondo, que parece rodear la cabeza y sombrero de la protagonista, provocando que centremos la mirada en ella.
El rostro, cuello y pecho de la retratada Susana Lunden, en donde se pueden observar tonalidades blancas, rosas, naranjas y algunos matices rojos y azules, muestran la parte más iluminada del cuadro, generando un apreciable contraste con respecto al fondo, así como a la ropa de tonalidad negra, que sirven también para enmarcar esta parte del cuadro y provocar que el espectador siga observando, al menos en un primer momento, esta parte.
Los tonos rojos de las mangas de la protagonista también generan brillo y contraste con respecto al resto de tonalidades empleadas en la obra, aunque no con tanta fuerza como los tonos de la piel, que se apagan y oscurecen cuando están en sombra, como es el caso de la mano más alejada, y en menor medida de la otra mano que está encima de la anterior.
Analizando ahora la iluminación de la obra, se puede contemplar cómo la luz viene en dirección inclinada de arriba abajo y de izquierda a derecha, siendo el pecho de la protagonista la parte más iluminada del cuadro junto al hombro de la izquierda del cuadro. Esta iluminación genera que se proyecten sombras más pronunciadas en la parte derecha de la obra, de ahí las sobras generadas en el rostro y hombro por el sombrero, o los verdes oscuros generados en el fular.
En cuanto a la paleta de colores, decir que usa el rango del círculo cromático que predomina va desde el rojo al verde, empleando rojos, rosas, y azules, provocando interesantes contrastes entre el azul del cielo y el rojo de la ropa, que están prácticamente opuestos en el círculo cromático, así como entre el rojo y el verde que son complementarios e interactúan en un interesante diálogo entre las mangas y el fular.
Con este rango decolores, cabe señalar que existe la analogía cromática puesto que se utilizan colores adyacentes como lo son el cyan y los azules y verdes.
Si nos centramos en los matices de color, podemos ver cómo el rango de colores es muy amplio en la obra, ya que están presentes además, los naranjas del pelo y piel, o el amarillo que representa la luz del sol en ciertos puntos de las nubes.
El claroscuro de esta obra está realizado con una amplia paleta de color, en lugar de utilizar una paleta monocromática.
En cuanto a la temperatura cromática decir que Rubens juega a la perfección con tonalidades frías (verdes, azules y grises) junto con las cálidas (rojos, rosas y naranjas), generando una escena que, pese a su equilibrio en la temperatura, se podría decir que es mayoritariamente fría.
Matisse, H. [Henrri] (1905). Le Bouheur de vivre. Pintura [óleo sobre lienzo] Fundación Barnes, Filadelphia, Pensilvania. https://collection.barnesfoundation.org/objects/7199/Le-Bonheur-de-vivre-also-called-The-Joy-of-Life/
Matisse emplea en esta obra una variada paleta compuesta por una combinación de colores fríos, azules y verdes en claro contraste con colores cálidos, como son el amarillo, rojo, naranja y rosas.
Esta combinación de colores genera que la obra sea muy dinámica ya que están continuamente interactuando colores complementarios, como podemos ver en las líneas rojas y verdes de las dos figuras centrales, o del tronco verde de la izquierda que está próxima a una mancha roja contigua. También existe contraste entre colores complementarios como ramas azules con frondosidad naranja o los tonos rosas junto a los verdes.
El autor combina a la perfección el dibujo, mediante líneas de color, junto a las manchas de colores planos con los que genera esta vibrante composición.
Pese a la utilización de amarillo, rojo y cyan, y colores fríos y cálidos, la composición de color es armoniosa.
Existen analogías cromáticas entre rojos, naranjas y amarillos.
- Segunda parte: Inventario de color y construcción de nuestra paleta.
2.1. Obra pictórica elegida.
La obra que he elegido es la última que analicé en el apartado anterior, Le Bouheur de vivre de Matisse pues siempre me atrajo el movimiento generado con la utilización del color, así como el uso del dibujo y líneas.
Tras analizar la obra realicé con el programa GIMP mi inventario proporcional de color, siguiendo las indicaciones de los vídeos “Creación de una paleta de color” e «Inventario proporcional» y reduciendo la paleta a tan solo 8 colores.
Creación de paleta de color.
Inventario proporcional.
2.2 Anotaciones de los valores RGB.
Tomando como base mi inventario de color, realicé las siguientes anotaciones utilizando el programa de edición de imagen GIMP:
Anotaciones de valores.
- Variación cromática en técnica libre sobre papel.
3.1. Realizar una obra libre utilizando el inventario proporcional de colores obtenido en la segunda parte del ejercicio.
Utilizando el inventario proporcional de colores presentado en el anterior apartado realicé una obra propia utilizando gouache y papel A3 de 300 gramos, buscando los matices más parecidos, grado de valor e intensidad.
Para realizar la obra utilicé como base un dibujo del libro “Anatomía artística 4 Grasas y pliegues de la piel” de Michel Lauricella (2919). El dibujo es el siguiente:
Lauricella, M. [Michel] (2019). Anatomía Artística 4. Grasas y pliegues de la piel. Boceto [lápiz sobre papel] Gustavo Gili, Barcelona.
Sobre este boceto, se me ocurrió superponerle un cráneo que manipulé en una posición concreta generada con el programa Anatomía 3D (2022) para el artista en mi Ipad con el programa Procreate, generando un collage digital como se puede ver en las dos imágenes siguientes.
Imagen generada con la app Anatomía 3D para artistas (2022).
Imagen creada con la app Procreate (2022).
En este punto, utilicé la imagen como referencia para elaborar las dos obras de este ejercicio. A continuación, se pueden ver los pasos de la creación de la primera obra, así como la mezcla de colores para obtener la paleta de referencia.
Mesa de trabajo y material empleado para realizar los bocetos de las obras.
Boceto inicial en papel A3 de 300 gramos realizado con lápiz.
Paleta de colores obtenida en guache en base a la paleta de color de la obra analizada de Matisse.
Aplicación de amarillo para el fondo y morado para ciertas líneas internas.
Aplicación de líneas verdes en contornos exteriores.
Paso previo a la imagen final con todos los colores de la paleta utilizados.
Imagen final resultado.
3.2. Realizar un ejercicio de variación cromática.
Tras realizar la primera obra procedía repetirla cambiando los colores. Con la intención de variar el significado de la obra, decidí crear una paleta monocromática empleando tinta china negra, así como tonalidades grises obtenidas de su mezcla con agua. También empleé en ciertos lugares rotulador de base de alcohol negro.
Para sacar ciertas luces y partes claras empleé lejía, generando tonalidades marrones amarillentas cuando fue aplicada en las manchas de tinta, y tonalidades azules en las aplicadas sobre el negro obtenido con el rotulador.
Con estos matices conseguí una sensación mucho más lúgubre y oscuro, cambiando el significado, a mi parecer, a una imagen más agresiva, pesimista y tenebrosa.
Paleta de colores claroscuro.
Primeras manchas.
Encajando el dibujo.
Graduando el tono.
Superponiendo dibujo con líneas blancas y negras.
Imagen final resultado.
3.2. Anotaciones del proceso creativo y conclusiones.
En primer lugar, he de decir que todo el proceso ha sido muy enriquecedor. Creo que abordar una obra pensando tanto en la composición de la misma como en la paleta de color es muy positivo, ya que te permite ser más decidido de cara a crear imágenes interesantes.
En segundo lugar, inspirarse en un cuadro de un artista de tu gusto, es algo muy interesante, ya que por un lado sabes que te gusta ese esquema cromático, y por otro puedes llevarlo a tu terreno, sabiendo de antemano que sensaciones pueden generar en el espectador su uso en unas determinadas proporciones. Sin duda es algo que me llevo de esta actividad y que a futuro usaré, ya he empezado de hecho a recopilar paletas interesantes en una carpeta.
También decir que la utilización de GIMP para sacar exactamente las proporciones de cada color es muy práctico, ya que nos lanza una información vital de cara a realizar las mezclas de color e intentar acercarnos a ese tono.
Cada proceso creativo tiene unos caminos, a veces me gusta empezar una obra sin pensar en el motivo, otras, me gusta buscar un concepto y una imagen mental para desarrollarla después. En el caso de este ejercicio opté por la segunda vía, apoyándome un collage que hice yo mismo, y que de por sí podría entenderse como una imagen nueva. En base al collage procedí a hacer mi boceto, como quería que fueran líneas bastante sueltas y gestuales no quise hacer varios bocetos, sino que confié en mi pulso para hacer el boceto inicial. Por ese mismo motivo en la segunda imagen no calqué la anterior, fue una manera de que cada obra también tuviera su personalidad propia, cuestión que se vio más que reforzada con el cambio de esquema cromático.
En cuanto a la paleta de Matisse que desarrollé, decir que gracias al ejercicios de la PEC 1 conseguí sacar las tonalidades de una forma natural y bastante próxima. Limitar la paleta a 8 colores también creo que es interesante, pues así apuestas por colores limitados y no te pierdes en la infinita variedad cromática de un cuadro. Como resultado, conseguí una obra que, pese a la temática, considero tiene como resultado una obra vibrante, llena de energía e incluso positividad, haciendo que la lectura del espectador de la misma sea más “amable”.
Para el segundo ejercicio, decidí comenzar realizando charcos de agua e interviniéndolos con tinta china. En esta ocasión, preferí optar por darle mayor libertad a los pigmentos, dejando que estos junto con el agua y la lejía, generaran diferentes tonalidades. Así, la primera diferencia con respecto a la primera obra es que los colores resultantes son menos planos y más graduados.
Las partes de luz las conseguí reservando parte del papel y aplicando lejía como comenté anteriormente, esto le dio un carácter más cercano al dibujo que la primera obra, enriqueciendo también los negros y grisáceos con tonalidades marrones y azules generadas de la acción de este activo al pasar sobre la tinta china y sobre ciertas partes del a obra matizadas con rotulador negro en base de agua.
Aun siendo el mismo motivo, considero que la segunda imagen tiene una interpretación más lúgubre, oscura, tenebrosa, pesimista e incluso macabra, todo gracias a la utilización de una paleta monocromática, así como de la matización de las luces con líneas y dibujo.
En definitiva, considero este ejercicio muy enriquecedor pues permite ver cómo con un mismo concepto podemos generar diferentes imágenes con significados y sensaciones bastante distintas.
Para concluir y ejemplificar lo que comento, muestro el díptico de ambas obras juntas que bien podrían exhibirse de esta manera con el título «Venus Plácida”, obra de la izquierda, y “Venus Macabra», obra de la derecha.
«Venus Plácida».
«Venus Macabra».
Referencias.
Catfish Animation Studio S.r.l. (2022). Anatomía 3D para el artista (2.0.10) [Aplicación móvil]. App Store.
Lauricella, M. [Michel] (2019). Anatomía artística 4 Grasas y pliegues de la piel. (p.38). Gustavo Gili, Barcelona.
Savage Interactive Pty Ltd. (2022). Procreate (5.2.2) [Aplicación móvil]. App Store. https://apps.apple.com/es/app/procreate/id425073498
Fernández, B. [Bárbara] (20 de marzo de 2018). Creación de una paleta de color con GIMP. Primera parte [vídeo en línea]. Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=QPYaGk1CbaA
Fernández, B. [Bárbara] (20 de marzo de 2018). Creación de una paleta de color con GIMP. Segunda parte [vídeo en línea]. Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=ZPw8fX-FuYg&t=17s
Muy buenas,
Como no he modificado los proyectos finales presentados anteriormente, podéis consultarlos en mi anterior post. Ahora os comparto el proyecto final. Espero que os guste y me comentéis. Recordaros que me tenéis en Instagram, por si queréis que nos sigamos, con este usuario: @Loperakun
Proceso creativo.
Partí como base del trabajo de mi tercer experimento llamado “El tarro anatómico”, explicado en el apartado 3.2.1. de este dossier, donde exploré en el cambio de soporte del dibujo y el dibujo expandido.
A este tarro le puse un foco de luz de un flexo desde diferentes posiciones, utilizando las luces y sombras generadas como de una nueva obra de dibujo expandido, pues sabemos que la luz también dibuja y varía el aspecto estético de los objetos sobre los que incide. Así realicé 8 fotografías diferentes, variando tanto ángulo como posición del foco sobre el tarro, que no fue movido en ningún momento, aumentando la riqueza y variedad de las nuevas imágenes resultantes.
Considero que lo realizado fue practicar dibujo expandido, sobre dibujo expandido, es decir, luz como medio sobre un tarro, que ya había sido intervenido previamente con dibujo.
Una vez realizadas las fotografías, las edité digitalmente con la app Procreate, en mi Ipad. La intención de esta edición fue eliminar los reflejos laterales del tarro, base y tapa, para seleccionar tan sólo el cráneo, mejorando a su vez los contrastes, las iluminaciones y colores de las fotografías y generando mayor intensidad en los dibujos. Así edité 16 imágenes nuevas, usándolas como fotogramas para mejorar la fluidez y variedad cromática de este gif animado:
En base a este gif inicial, diseñé otro bastante más complejo y tedioso de elaborar, esta vez creando 8 capas, y haciendo que la posición de cada imagen se moviera de izquierda a derecha para generar un efecto de desplazamiento de posiciones. Así creé este vibrante gif, con la intención de crear una composición en mosaico inquietante:
Estos dos gifs, ya podrían considerarse como obras acabadas o proyectos en sí, y podrían utilizarse para su difusión en redes sociales, proyección en cualquier pantalla etcétera. En su lugar, decidí dar un paso más y experimentar creando una instalación en el despacho de mi casa, donde utilicé todos los aparatos electrónicos que tuviera en casa con capacidad de reproducir imágenes en movimiento o de proyectarlas. Así, en la exposición estarían estos 10 elementos mostrando uno u otro gif con más o menos zoom y que enumero a modo de inventario para conocer el tipo de sus pantallas y modelo:
- Proyector Epson EMP-S3. LCD.
- Televisión Samsung. Pantalla LED 32 pulgadas.
- Portátil HP. Pantalla LED 15 pulgadas.
- Portátil Asus 1. Pantalla LED 15 pulgadas.
- Portátil Asus 2. Pantalla LED 15 pulgadas.
- Ipad Pro. Pantalla Liquid Retina XDR 12,9 pulgadas.
- Iphone XR. Pantalla LCD 6,1 pulgadas.
- Huawei MediaPad T3. Pantalla IPS HD 9,6 pulgadas.
- Pantalla LCD 20 pulgadas.
- Iwatch Serie 6. Pantalla OLED 44 millímetros.
A continuación, muestro el montaje de la exposición en diferentes fotos siguientes:
Imagen de la instalación completa desde una posición frontal.
Imagen de la instalación completa desde un lateral.
Aquí podéis ver un vídeo para simular de una manera más perceptible cómo quedaría la exposición y percibir mejor la sensación de la persona que asista a la instalación y resultado final.
Decir aquí que la persona que visitara la obra, estaría sentada en una silla de oficina giratoria y con ruedas frente a los dos escritorios, de manera que pueda contemplar el proyecto desde ella, girarse, desplazarse y observar de cerca las imágenes o estar simplemente parda contemplando la escena.
Por último, concretar que las posibilidades de aplicación de los gifs son muy amplias. Muestra de ello son las siguientes fotografías, ejemplo de cómo quedarían estos gifs proyectados en las paredes de una habitación, de manera que se generen descomposiciones en los dibujos proyectados y nuevas imágenes. De esta forma podría crearse un proyecto más ambicioso a futuro, empleando todas las habitaciones de la casa, por ejemplo, y combinando proyecciones en pasillos y habitaciones con imágenes en pantalla.
Un saludo y un placer compartir el proyecto. Espero vuestros comentarios. ¡Saludos!
Os comparto aquí el comentario crítico y constructivo sobre la entrega parcial de proyecto práctico de Carlos García Conca, compañero que se me asignó:
Hola Carlos,
Primero de todo, darte la enhorabuena por el grado de fundamentación y justificación de la propuesta. Creo por un lado que es una temática muy interesante para tratar en un fanzine o un comiczine, como es tu caso, pues es una manera directa de impactar y concienciar a la sociedad de tu entorno de la escasez de oxígeno proveniente de la tala masiva de árboles.
En cuanto a la propuesta decirte que creo que es algo compleja, creo que, siendo un fanzine te funciona muy bien usar tan sólo las líneas del dibujo con el fondo blanco, considero que no le haría falta para transmitir tu mensaje el color. Quizás, si te animas a acabar el proyecto a color, decirte que usaría tonos tirando a pastel y muy básicos, marrón, verde, azul y amarillo, por ejemplo, con esos creo se podría terminar de entender perfectamente.
El texto empleado, quizás lo pondría arriba a la izquierda, por ser el lugar donde visualmente solemos mirar primero al explorar una imagen. Creo así, complementaría genial el mensaje del dibujo y el del texto. Veo acertado mantener las mayúsculas, pero acentuaría la tipografía para que destacara más, quizás con más anchura sería suficiente.
En cuanto al dibujo, está bien expresada la narrativa, lo único que creo que mejoraría son los troncos de abajo a la izquierda ya talados. Al inicio me costó entender qué eran, terminando de entenderlo a la perfección a partir de las viñetas en las que se ven en perspectiva cónica apilados. Creo que los primeros troncos los pondría más arriba, pudiendo divisar desde la perspectiva que los has dibujado las elipses de los troncos cortados vistos desde ese punto de vista.
Nada más Carlos, me encantaría ver tu obra final y tener ese comiczine en mis manos. Te deseo sea un éxito donde lo distribuyas.
Saludos.
Introducción.
En esta actividad describo los ejercicios de dibujo que he realizado para experimentar el dibujo expandido.
3.2. Hacer/dibujar
En los siguientes ejercicios presento una serie de propuestas de temática y resolución final libres con la intención de expandir el dibujo más allá de sus límites.
Tras esto, presento mi proyecto artístico, partiendo de las posibilidades transformadoras del dibujo.
3.2.1. Ejercicios de dibujo expandido
Afronté estos ejercicios con la misma intención de inicio de curso, explorar con diferentes materiales y técnicas el dibujo expandido. Siendo consciente que la propuesta final de esta actividad es la entrega de un proyecto final, aproveché todos los ejercicios para ver si algunas de mis obras podrían guiarme o ser la punta del iceberg de un proyecto más ambicioso.
Las tres propuestas creativas me han parecido muy retadoras, a la par que divertidas y motivadoras.
Partiendo de la naturaleza experimental de estos ejercicios conviene señalar que los resultados obtenidos son pruebas, aunque en algunos casos podrían verse como obra acabada.
A continuación, explico los ejercicios realizados en cada apartado.
● Cambia el soporte del dibujo.
Experimento 1. Retrato de Manolo Santana.
Para comenzar a experimentar el dibujo expandido decidí dibujar con objetos. Para ello utilicé un papel Canson de 200 gramos, acuarelas, agua, y los siguientes objetos: un imán redondo, palillos de dientes, gomas elásticas, papel de post-it y algodones.
La idea de este ejercicio era realizar diferentes manchas de acuarela, distribuir objetos sobre estos charcos de color y dejarlas un tiempo para que generaran de forma descontrolada distintas texturas y formas aleatorias. A partir de ese resultado, realicé un retrato del tenista Manolo Santana de joven, utilizando las manchas y formas generadas y trabajando sobre ellas como punto de partida hasta poder acercarme a la fotografía usada de referencia.
A continuación, comparto fotografías del proceso creativo explicado:
Paso 1. Elección de imagen de referencia. Manolo Santana de joven. Escojo esta foto como referencia, sobre ella, decido encajar la imagen centrándome sólo en su rostro, encajándolo sobre el papel en formato vertical y tamaño A4. Escojo una fotografía en blanco y negro para así, dejarme llevar por el uso del color, el contorno y las formas, siendo así más fácil mezclar colores que a priori parecerían inverosímiles en una foto en blanco y negro.
Paso 2. Charcos de color realizado con acuarelas. Escojo colores primarios, con la intención de que la paleta cromática sea vibrante y que de su mezcla surjan colores secundarios.
Paso 3. Objetos sobre los charcos de color. Coloco diferentes objetos sobre los charcos de color, jugando con ellos y dibujando también, buscando contornos y formas existentes en la referencia, pero de una forma rápida y dejando que los objetos puedan generar formas inexistentes en la referencia.
Paso 3. Retiro los objetos. Antes de secarse del todo la acuarela, decido retirar los objetos, descubriendo las texturas y formas generadas en el papel.
Paso 4. Dibujo sobre las manchas. Utilizando las manchas de color, procedo a dibujar la referencia, aprovechando las formas y colores de la base. Para ello escojo un tono más oscuro que me permita resaltar líneas, contornos, siluetas y zonas más os curas de la imagen. Decido no realizar nuevas manchas de color ni volver a utilizar los colores primarios, para forzarme a conseguir la imagen final en base al color ya empleado, consiguiendo así “sacar” el retrato sólo con el dibujo a pincel con un único color.
Paso 5. Obra final. Sigo detallando el rostro y rasgos del tenista dejando que haya manchas de color fuera del contorno, generando una obra expresiva y dinámica.
Las ventajas de este ejercicio son la creación de nuevos caminos que explorar, la expresividad obtenida, así como lo colorido que puede quedar la imagen final debido a la mezcla de colores y texturas generadas. Si no se tiene una referencia clara, ni se sabe por dónde empezar, es una técnica ideal para que se generen manchas y formas aleatorias y dejar volar la imaginación buscando formas y dibujar desde la imaginación o el dibujo de retentiva.
Las desventajas, pueden ser las mismas que las ventajas, me explico, se pierde control de todos los trazos, del resultado final, así como del sentido en algunas manchas de color en unas u otras zonas.
Conclusión, ejercicio muy recomendado como punto de partida que fuerce la creatividad. Me he sentido muy cómodo con ella y creo que se pueden generar resultados coloristas y obras muy interesantes.
Experimento 2. Retrato de Leonardo Da Vinci.
Como segundo experimento realicé un retrato de Leonardo Da Vinci, utilizando la icónica imagen del autorretrato atribuido al artista como referencia.
Para ello decidí utilizar café como pigmento, y una cucharilla en lugar de un pincel. Así, utilicé dos cucharadas de café como pigmento y agua caliente como aglutinante, creando así un tinte marrón oscuro con tonalidades muy semejantes a las de la obra referente.
Decidí emplear la cucharilla a modo de pincel, para mostrar que, en cualquier lugar, como en una cafetería, podemos encontrar pigmentos y “pinceles”, rompiendo con la idea de que si no tenemos materiales costosos o un gran estudio no podemos dibujar. Hace más el que quiere que el que puede.
Como soporte utilicé el mismo tipo de papel Canson A4 de 200 gramos.
A continuación explico el proceso paso a paso de este segundo experimento de la actividad.
Paso 1. Referencia autorretrato de Leonardo Da Vinci. Siempre me ha encantado esta imagen, así que no pude resistirme a dibujarla a mi estilo.
Paso 2. Encajando la imagen. En este primer paso encajé rápidamente la imagen empleando el dibujo gestual y de manera muy rápida y sin titubeos.
Paso 2. Contorno y barba. En este paso, terminé de delimitar la silueta de la imagen, y comencé a esbozar la barba.
Paso 3. Manchas de café. Una vez tenía la imagen encajada y la barba delimitada, empleé charcos para dejar manchas de color en las zonas deseadas, depositando café en zonas clave como las cejas, los ojos y los labios. También tirando líneas finas generando sutiles tramas en diferentes zonas.
Paso 4. Secado de la obra. Dejé secar la obra durante al menos una hora, puesto que había charcos bastante amplios que el papel no terminó de absorber rápidamente. Tras el secado, como se puede ver en la foto de detalle, se puede ver cómo se superponen las manchas generadas con los charcos con las líneas finas generadas con la punta de la cuchara, generando así la textura deseada en zonas como la barba.
Paso 5. Obra final. Esta es mi versión final del autorretrato de Leonardo Da Vinci.
Del café como medio decir que no me resultó muy difícil de manejar, aunque al estar diluido con agua, es cierto que muchas veces se generaban manchas muy difíciles de controlar, teniendo un secado bastante lento.
La cucharilla, a pesar de lo que podría pensarse inicialmente, resultó ser una herramienta muy versátil de dibujo, ya que me permitió realizar charcos trasportando cantidades mayores o menores de café, extender el dibujo empleando la base de la cuchara horizontalmente y hasta realizar tramas y líneas muy precisas posicionando la cuchara verticalmente al papel como si de un pincel se tratara.
Como conclusión decir que este experimento fue muy divertido, me sentí muy cómodo haciéndolo y lo dibujé en apenas 10 minutos, de una forma muy libre y gestual. Quizás a la próxima emplee leche en lugar de agua por ver si es mejor aglutinante y espesa un poco más que el agua, permitiendo controlar un poco más el trazo.
Experimento 3. El tarro anatómico.
Para el tercer experimento, utilicé un tarro de cristal, con la idea de dibujar en la superficie del mismo con rotuladores acrílicos.
La idea fue dibujar en la parte del tarro más alejado de nuestra vista un cráneo, y en la parte frontal más próxima al espectador, los músculos de la cabeza. Así, dibujaría en la misma superficie, pero utilizando el punto de vista del perceptor de la imagen para generar dos imágenes que se superpusieran, generando así una única imagen vista desde frente. Así trabajaría de forma muy similar a cuando dibujo digitalmente en programas de ilustración como Procreate o Photoshop, con dos capas superpuestas la una sobre la otra.
A continuación, muestro los pasos realizados para este experimento:
Paso 1. Seleccionar los referentes. Escogí dos imágenes, la primera de ellas un cráneo en una posición concreta generada con el programa Art Anatomy en mi Ipad. La segunda, la seleccioné en internet de la web www.tucuerpohumano.com. Decir que mi intención era dibujar esquemáticamente la estructura del cráneo y de los grupos musculares, sin la intención de buscar el realismo, sino más bien el simbolismo y formas esquemáticas de ambas estructuras.
Paso 2. Dibujo del cráneo. En esta primera “capa” dibujé el cráneo, puesto que encima de él debería de verse la siguiente capa de los músculos. Para ello utilizo un rotulador color beige, más cercano al tono real de los huesos que el blanco puro.
Paso 3. Dibujo de los músculos. Para dibujar los músculos empleé un tono marrón oscuro pues al hacer diferentes pruebas de color, tenía más armonía con el beige del cráneo e iban a casar mejor ambos colores. Aquí pude comprobar cómo encajarían ambas imágenes al ser vistas frontalmente. Decir que, para generar este efecto, tuve que reducir las proporciones de la imagen de los músculos, si no, al estar en primer plano, quedarían más grandes y no encajarían ambas imágenes.
Paso 4. Dibujo de fondo negro sobre el cráneo. Para poder apreciarse ambas imágenes generé una tercera “capa” de color negro, para que resaltara el tono beige del cráneo y se apreciara con mayor claridad la imagen final, eliminando así bastantes brillos del tarro. Para ello puse dos densas capas negra sobre el dibujo del cráneo. En esta ocasión usé pintura acrílica y pincel, solventando así el problema de que se borrara lo ya dibujado.
Paso 5. Obra final. Aquí se puede apreciar la obra final. Indicar que tras varias pruebas la mejor manera de contemplar ambas imágenes simultáneamente era quitando la tapa del tarro y poniendo luz desde un flexo justo encima del mismo de forma totalmente vertical. Es interesante señalar que, observando el tarro desde diferentes puntos de vista, y aplicando luz desde distintos puntos con o sin tapa, se generan multitud de imágenes interesantes, aunque para este experimento no profundicé más allá de conseguir que las dos imágenes se apreciaran correctamente a la vez. Quizás desarrolle mi proyecto en base a dibujar con la luz esta obra y ver cómo desde un mismo objeto se pueden generar multitud de imágenes diferentes dibujando con la posición del punto de luz y las luces y sombras generadas.
Decir de este experimento que, el dibujo sobre cristal es bastante complicado. Inicialmente creí que con rotuladores acrílicos lo tendría solucionado, pero al ser una superficie tan pulida, tenía que cargar con bastante pintura la punta del rotulador, con eso, solventé la dificultad.
Otra cuestión que también complicó la ejecución del ejercicio fue que, cuando volvía a dibujar sobre una superficie ya dibujada, se rayaba lo dibujado anteriormente, eliminándose partes del dibujo anterior, esto hizo que para crear tramas tuviera que cargar al máximo la punta del rotulador, dibujando con mucho cuidado, suavidad y superficialidad, para no perder lo previo.
Como ventaja decir que, al ser un tarro de cristal, se puede jugar con las transparencias, reflejos, curvaturas etcétera, lo que provoca que el dibujo, en cierta forma, cobre vida propia.
● Expandir la superficie de un dibujo.
En esta ocasión, en lugar de emplear diferentes técnicas, me decidí a profundizar con un mismo experimento, dibujar con una tiza sobre losas de la pared de mi casa.
Siempre me ha gustado ver los azulejos del suelo, las vetas de las paredes, de los árboles etcétera, unas veces para buscar formas y otras, encontrándolas sin buscarlas. A este fenómeno psicológico llamado pareidolia, se llega a través de un estímulo vago y aleatorio, como cuando de pequeños buscamos dibujos y formas en las nubes.
Estos son los experimentos realizados:
Experimento 1. Hombre lobo.
Paso 1. Esta es una de las paredes donde vi una figura, una especie de bestia medio humana de perfil.
Paso 2. Con una tiza blanca comencé a esbozar la cabeza de la criatura.
Paso 3. Luego continué por dibujar la espalda y el brazo.
Paso 4. Imagen final. Tras encajar la imagen, fui realizando detalles, musculatura, texturas, pelo, garras etcétera, hasta estar conforme con la obra final. Como curiosidad fue interesante ver cómo el avance del sol y la proyección de la sombra en la pared, hacía que la obra interactuara de alguna forma con el entorno, como si no le gustara recibir la luz del sol directa, de ahí su expresión de enfurecimiento.
Experimento 2. Criatura marina.
Paso 1. En esta ocasión, lo que vi observando una de las losas junto a un soporte anclado en la pared fue una criatura marina.
Paso 2. Cabeza y patas. Comencé dibujando la cabeza y las patas de esta criatura usando las formas del azulejo y el soporte metálico.
Paso 3. Atmósfera. Una vez dibujada la criatura, le dibujé burbujas alrededor de diferentes tamaños para simular diferentes planos. También aproveché la beta marrón de la losa para simular el suelo o una especie de cueva marina.
Paso 4. Obra final en contexto. Me gustó la idea de conectar dos mundos, el marino, y el que hay por encima de la encimera blanca, que lleva directamente al exterior, al aire, a las nubes. En la obra final marqué más la línea de debajo de las patas, marqué ciertos brillos en las burbujas de aire y con puntillismo dibujé burbujas lejanas.
Experimento 3. Estación de esquí.
Paso 1. Siguiendo el recorrido por mis azulejos me topé con una estación de esquí en esta imagen:
Paso 2. Telesilla y nieve. En este paso dibujé el telesilla y la nieve de las montañas, aprovechando las vetas de la losa.
Paso 3. Difuminado de nieve. A continuación, decidí difuminar con el dedo las montañas, generando así un efecto más realista de la nieve.
Paso 4. Obra final en contexto. Concluí el experimento añadiendo nieve en diferentes planos, buscando el efecto de movimiento y profundidad a la imagen. También utilice el poste del suelo para integrarlo en la obra en un primer plano.
Como conclusión decir que fue muy estimulante emplear el dibujo de memoria y la imaginación, explorando mi casa hasta encontrar imágenes interesantes.
También decidí usar esta obra por la facilidad en su borrado simplemente con un paño húmedo.
● Interactúa con el dibujo.
En este ejercicio trabajé por un lado el dibujo sobre mi cuerpo con dos experimentos y por otro el dibujo con mi cuerpo mediante otros dos experimentos de sombras.
Experimento 1. Huesos de la mano.
Paso 1. Referencia. Como me interesa mejorar mis conocimientos de anatomía, quise en este ejercicio usar mi propia mano para intentar situar lo más fielmente posible dónde estarían los huesos de mi mano. Para ello usé como referencia la siguiente imagen del programa Art Anatomy.
Paso 2. Primeros huesos. Comencé a dibujar los primeros huesos empleando pintura acrílica blanca y pincel, pues me interesaba en esta ocasión que resaltara mucho el color de los huesos. Me resultó muy interesante ir moviendo los dedos y la muñeca, palpándomelos para así comprender el movimiento y exactamente comprobar que estaba dibujando las falanges en su sitio proporcionándolo a mi mano.
Paso 3. Conectando falange con la muñeca. A continuación, dibujé la muñeca, siendo bastante complejo adivinar dónde deberían de ir los huesos para encajarlos correctamente. También comencé a unir la muñeca con las falanges.
Paso 4. Obra final. Tras muchas cosquillas iniciales, conseguí acabar el ejercicio.
Experimento 2. Venas de la mano.
Paso 1. Referencia. Como segundo ejercicio decidí dibujar en el reverso de la misma mano, las venas que la recorren. Conociendo así por donde transitan y cómo irrigan nuestro cuerpo. Me interesó realizar las venas por que es un dibujo más libre, y del que no tenemos apenas referencias visuales directas ni imágenes preconcebidas, lo que quizás me ayudó a trazarlas de forma más fidedigna sin dejarme llevar por estructuras preconcebidas. Esta es la referencia de la web https://www.orto-manoymicro.com/post/heridas-en-las-manos girada para facilitarme su dibujo con mi postura corporal apoyando la mano sobre la mesa:
Paso 2. Primeras venas. A diferencia que el dibujo de los huesos, en este caso tuve que encajar las venas siguiendo el esquema, pues no se me marcan en mi caso las venas en la piel. Decir que en este caso utilicé pintura acrílica de nuevo y que el dibujo fue mucho más sencillo, rápido y fluido.
Paso 3. Mano en distinta postura para apreciar venas. Para poder apreciar el trabajo, realicé diferentes posturas con la mano para ver cómo estaba funcionando el trabajo.
Paso 4. Trabajo final. En esta imagen muestro la obra final, haciendo una comparativa con la plantilla utilizada de fondo.
Como conclusión decir de estos dos primeros experimentos que fue muy grato realizarlos y que la pintura acrílica agarra bastante fácil a la piel.
Como dificultad principal fue dibujar en las zonas de la mano donde existe el vello, pero por lo demás, lo considero un ejercicio muy bueno para experimentar el body painting así como para conocer en mi propio cuerpo cuál es la anatomía del ser humano.
Experimento 3 y 4. Dibujos con sombras corporales. Para realizar los dos siguientes experimentos, realicé muchas pruebas fotografiando mi sombra con la luz del sol, e intentando jugar con diferentes elementos que tenía alrededor, como estructuras de marcos o una silla plegable. A continuación, muestro las fotografías más interesantes, considerándolas todas obras finales pues todas son, de una u otra manera, interesantes bajo mi punto de vista.
Fotografía 1. En esta fotografía me interesó jugar con el alargamiento de la sombra, así como su proyección en los diferentes planos del suelo y pared. También me interesó jugar con las sombras de la cristalera, sirviendo esta de marco para encuadrar mi silueta. Me interesó también reflejar los diferentes ángulos de las líneas formadas por la cristalera en todo el espacio, así como la perspectiva conseguida en mi figura.
Fotografía 2. En esta fotografía quise interactuar con menos sombras, simulando que me apoyaba con una pierna en la sombra de la izquierda y que me estaba agarrando a la sombra de arriba descolgándome… cosa que no es real, sino que era una pose que mantuve en el aire sin contactar en ningún momento.
Fotografía 3. En esta fotografía quise hacer una imagen más plana, proyectando mi sobra en el suelo y poniendo los pies en un lugar aparentemente inverosímil, dando la sensación de que mis pies son mis manos, o que la figura tiene manos con forma de pies.
Fotografía 4. En esta imagen quise ver hasta dónde podría llegar mi pie y mi mano, de manera que la imagen resultante pareciera miembros de dos personas distintas. Me interesó ver el diálogo entre mano y pie, como si fueran dos títeres de en un cuentacuentos callejero.
Fotografía 5. En esta última fotografía quise seguir jugando con mi silueta, intentando mostrar otra perspectiva de mi cuerpo, y mostrando que, con poco, nuestros cuerpos pueden generar dibujos muy interesantes en el suelo.
De estos ejercicios con mi propia sombra decir que me pareció muy interesante jugar con los elementos de mi alrededor, pensando en mi cuerpo como si de un pincel se tratara, o más bien, de un maniquí, que dibuja en el suelo posturas más o menos verosímiles con respecto a la realidad.
En conjunto, las tres actividades me han parecido muy divertidas e interesantes, permitiéndome seguir enriqueciendo mi lenguaje artístico, poniendo aprueba los límites del dibujo.
Ahora toca seguir pensando en mi proyecto final.
¡Espero vuestros comentarios!
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